Im Dialog: Tori Ferenc und René Burri

Leica: 100 Jahre Leica-Fotografie – was sind Ihre Gedanken dazu? 
Tori Ferenc: Leica ist ein echter Kultname in der Fotografie. Was mich am meisten fasziniert ist, dass Leica trotz der rasanten technologischen Fortschritte im Laufe der Jahre stets ein Niveau an Exzellenz beibehalten hat, das seiner Zeit voraus ist. Ich habe immer davon geträumt, eine Leica zu benutzen, und als ich endlich die Gelegenheit dazu hatte, konnte ich die Qualität der Bilder kaum glauben. Die Fülle der Farbtöne, die Art und Weise, wie die Schatten sanft ineinander übergehen – das ist eine ganz besondere Erfahrung. Kein Wunder, dass die Leica seit Jahrzehnten die Kamera der Wahl für viele Fotografinnen und Fotografen ist. So viele entscheidende Momente der Geschichte wurden durch ihr Objektiv festgehalten. Es ist fast surreal, wie viel wir von der Welt durch eine Leica gesehen haben.

Wie hat die Arbeit der Leica-Hall-of-Fame-Preisträger Ihre Arbeit beeinflusst?
Ich habe keine formale Ausbildung in der Fotografie absolviert, daher habe ich immer durch das Studium der Werke anderer gelernt. Ich habe mich intensiv mit ihren Bildern beschäftigt, analysiert, was sie auszeichnet und versucht, die Geschichten zu verstehen, die sie erzählen. Ein Fotograf, dessen Arbeit ich besonders bewundere, ist Joel Meyerowitz. Die Art und Weise, wie er Farben einfängt und die Wärme, die seine Bilder ausstrahlen, sind etwas, das ich in meiner eigenen Arbeit anstrebe. Auch der Humor in Elliott Erwitts Fotografien hat mich schon immer fasziniert. Seine Bilder sind voller Leichtigkeit und Freude. Und dann ist da noch René Burri. Seine Fotografie hat etwas Klares, fast Grafisches und ist dennoch voller Tiefe.

Die Ausstellungen handeln von einem visuellen Dialog zwischen zwei Generationen. Wie sind Sie an dieses Thema herangegangen?
Wir haben die Ausstellung eher als Gespräch, denn als Vergleich konzipiert. Indem wir Werke aus dem Archiv von René Burri und meinem neuen Projekt nebeneinander stellen, möchten wir die Betrachtenden dazu anregen, sowohl Kontinuität als auch Bruchstellen wahrzunehmen. 

Woher nehmen Sie Ihre Inspiration? 
Ich fühle mich definitiv von anderen Fotografen inspiriert – ich denke, das ist unvermeidlich. Vor allem, wenn ich mir die Arbeiten von Fotowettbewerben und auf Fotofestivals ansehe. Was zeitgenössische Fotografie angeht, schätze ich die Arbeiten von Nanna Heitmann, Daria Svertilova, Jędrzej Nowicki, Sarah Blesener, Emile Ducke und dem Docks Collective. Sie schaffen es, Dokumentarfotografie mit bildender Kunst zu verbinden, was auch das Ziel meiner fotografischen Arbeit ist. 

Welche Chancen und Herausforderungen sehen Sie für die Zukunft der Fotografie?
Die Entwicklung zu mehr KI-generiertem Content begrüße ich nicht, obwohl ich keine Sorge habe, dass diese Technologie die Fotografie ersetzen wird. Da KI-Bilder jedoch immer realistischer werden, befürchte ich, dass es zunehmend schwieriger werden wird, zwischen echten und unechten Bildern zu unterscheiden. Als Folge daraus könnte das Vertrauen in die Fotografie als dokumentarisches Medium schwinden. Allerdings werden wir immer neue Wege finden, um Geschichten zu erzählen. Vielleicht, indem wir in Zukunft Multimedia in unser Storytelling integrieren, um es immersiver zu gestalten.

Welche Rolle spielen Galerien im Zeitalter der digitalen Medien und speziell für Ihre Arbeit?
Fotografie kann ihre wahre Kraft erst in gedruckter Form entfalten. In einer Galerie wird die Fotografie zu einem ganzheitlichen Erlebnis. Die Physik eines Abzugs hat etwas Intimes. Wenn man ganz nah davor steht und die Textur, das Licht und die kleinen Unvollkommenheiten sieht, verwandelt sich das Foto in etwas Lebendiges.