Dialogue :
Tori Ferenc et René Burri

Leica : 100 ans de photographie Leica – qu’est-ce que cela vous inspire ?

Tori Ferenc : Leica est une marque culte dans le domaine de la photographie. Ce qui me fascine surtout, c’est que Leica a toujours su maintenir au fil des années un niveau d’excellence en avance sur son temps, malgré les rapides progrès technologiques. J’ai toujours rêvé d’utiliser un Leica et quand j’ai enfin eu cette chance, je n’en revenais pas de la qualité des images. Les nuances de couleur sont riches, les ombres se fondent en douceur l’une dans l’autre – c’est une expérience très spéciale. Rien de surprenant donc que les Leica soient depuis des décennies les appareils favoris de nombreux photographes. Tant de moments historiques ont été immortalisés dans leurs objectifs. C’est presque irréel quand on pense à tout ce qu’on a vu du monde sous la perspective d’un Leica.

Comment l’œuvre des lauréats du Leica Hall of Fame a-t-elle influencé votre travail ?

Je n’ai pas étudié la photographie dans un cadre formel et j’ai donc toujours appris en examinant les photos des autres. J’ai analysé de manière intensive leurs images, ce qu’elles représentent, et j’ai tenté de comprendre les histoires qu’elles racontent. L’un des photographes que j’admire beaucoup est Joel Meyerowitz. Je m’efforce dans mon travail de répliquer sa manière de rendre les couleurs et la chaleur dont rayonnent ses photos. Je suis aussi fascinée par l’humour qui se dégage des photos d’Elliott Erwitt. Elles sont pleines de légèreté et de gaieté. Et bien sûr René Burri. Ses clichés possèdent une clarté, un côté presque graphique, tout en maintenant une grande profondeur.

Les expositions sont un dialogue visuel entre deux générations. Comment avez-vous abordé le sujet ?

Nous avons pensé l’exposition plutôt comme un échange que comme une comparaison. En plaçant côte à côte des œuvres de René Burri tirées des archives et des photos issues de mon nouveau projet, nous voulons pousser les visiteurs à percevoir une certaine continuité, mais aussi des points de rupture.

Où puisez-vous votre inspiration ?

Mon inspiration vient à n’en pas douter d’autres photographes – je pense que c’est inévitable. En particulier quand je regarde les soumissions à des concours ou des festivals de photographie. En ce qui concerne les photographes contemporains, j’apprécie particulièrement le travail de Nanna Heitmann, de Daria Svertilova, de Jędrzej Nowicki, de Sarah Blesener, d’Emile Ducke et du Docks Collective. Ils réussissent à allier photographie documentaire et art visuel, ce qui est aussi le but de mon travail photographique.

Quelles opportunités et quels défis voyez-vous pour l’avenir de la photographie ?

Je vois d’un mauvais œil la multiplication des contenus générés par l’intelligence artificielle, même si je ne pense pas que cette technologie remplacera la photographie. Les images d’IA deviennent toutefois de plus en plus réalistes et j’ai peur qu’il soit de plus en plus difficile de faire la différence entre des images réelles et artificielles. La conséquence pourrait bien être une perte de confiance en la photographie en tant que média documentaire. Nous trouverons cependant toujours de nouvelles manières de raconter des histoires. Peut-être intégrerons-nous à l’avenir des supports multimédias dans notre narration pour la rendre encore plus immersive.

Quel rôle jouent les galeries à l’heure des médias numériques, particulièrement en relation avec votre travail ?

Les photos ne déploient toute leur force que sous forme imprimée. Dans une galerie, elles procurent une expérience holistique. La matérialité d’un tirage a quelque chose d’intime. Quand on s’en rapproche et qu’on distingue la texture, la lumière et les petites imperfections, la photo devient vivante.