오케스트라와의 삶을 들여다보다

음악은 제 삶에서 말 그대로 ‘제1바이올린’을 맡고 있습니다. 여섯 살 때 아버지로부터 처음 바이올린을 배우기 시작했고, 오늘날 저는 빈 국립 오페라 오케스트라와 빈 필하모닉에서 제1바이올린을 연주하고 있습니다. 학창 시절에는 사진에도 관심을 갖게 되었는데, 처음에는 거리와 건축을 주로 찍었고, 이후에는 음악가 동료들의 곁에서 인물 사진과 다큐멘터리 사진으로 영역을 넓혀갔습니다. 익숙한 환경이 사진 작업에 도움이 되었나요?

처음엔 동료들을 카메라 앞에 세운다는 게 큰 부담이었습니다. 하지만 함께 연주하면서 말 대신 몸짓과 호흡으로, 음악적 흐름을 함께 그려 나가는 것이 필수적이다 보니 자연스레 카메라와의 거리를 좁혀주었습니다. 물론 신뢰를 쌓아 또 다른 관계의 층위를 만드는 데에는 많은 시간이 필요했습니다. 처음에는 카메라를 그저 곁에 두었고, 차츰 리허설 휴식 시간에 다뤘으며, 마침내 리허설 현장 속에서도 자연스럽게 함께하게 되었습니다.

오케스트라 안에서의 경험과 일상을 기록하고 공유하는 것이 당신의 ‘가슴 깊은 소명’이라고 말씀하신 적이 있습니다. 동료들이나 관객은 이러한 시선을 어떻게 받아들이나요?

연주자의 일상에는 누구에게도 쉽게 드러나지 않는 사적인 순간들이 있습니다. 하지만 무대에 오르는 순간, 우리는 언제나 관객과의 대화 속에 있지요.

사진으로 기록하고 나누어야겠다고 결심한 건 지금으로부터 거의 25년 전으로, 그때 저는 동료들의 이야기를 역사적인 사진으로 보완하고 싶었습니다. 저는 음악처럼 국경도 언어 장벽도 없는 또 하나의 언어, 바로 사진을 통해 오케스트라의 한 시대를 기록하면서 동시에 제 개인적인 시각으로 이야기를 전할 수 있다고 느꼈습니다.

음악에서 제가 가장 중요하게 여기는 것은 악보에 충실하는 것입니다. 연주자가 전면에 드러나는 것이 아니라 예술을 섬기고, 위대한 거장들에게 존경을 표하는 태도 말입니다. 저의 사진도 같은 맥락에서 나옵니다. 단순한 기록을 넘어, 함께한 순간과 감정을 되살려 눈과 마음으로 다시 이어주는 작업입니다. 억지로 연출하거나 꾸며내는 것이 아니라, 매일 마주하는 그대로의 사람, 그 성격과 상황을 있는 그대로 담아내려 합니다. 그리고 그 사진이 단순히 보여지는 것에 그치지 않고, 그 안으로 깊이 들여다보고 또 느껴지길 바랍니다.

특히 레인지파인더 시스템에서는 흔히 ‘라이카 룩’이라고 불리는 독특한 감성이 있습니다. 오래된 렌즈든, 새롭게 리디자인된 렌즈든 말이지요. 어떤 기준으로 렌즈를 선택하시나요?

연주자로서의 자리 배치가 우선적으로 초점 거리 선택에 영향을 줍니다. 그 외에는 촬영하는 장소와 빛, 조명의 성격, 그리고 그 빛 속에 존재하는 인물 자체가 큰 영향을 미칩니다. 여기에 울려 퍼지는 음악, 제 감각과 해석을 더해 결국 가장 잘 어울린다고 느껴지는 렌즈를 고르게 됩니다.