MARSEILLE
Kane Hulse est un photographe basé à Londres, qui crée des projets explorant la couleur et la forme à travers la photographie. Influencé par l'architecture et l'art, Kane compose des photographies graphiques qui documentent la réalité urbaine dans les villes du monde entier. Ses deux premiers livres se concentrent sur l'architecture de Naples (2013) et de La Havane (2015), tandis que sa dernière série de Marseille a été exposée au Leica Store UK pendant l'été 2018. Réalisées avec le Leica M6 analogique, ses photos de Marseille sont une ode en rose et bleu au port animé de la côte sud de la France. Son travail capture la beauté recondite de la ville dans le contexte de l'architecture méditerranéenne moderniste. Nous avons parlé avec Kane de son amour pour la photographie analogique et de la façon dont il a abandonné son projet initial de boire des bouteilles de Pastis au soleil et de documenter les Ultras de Marseille après avoir été inspiré par une citation de Monet.
Pourquoi avez-vous commencé à faire de la photographie ?
Mon entrée dans la photographie a commencé techniquement à l'âge de 18 ans, dans le cadre du cours de base d'art local au Ravensbourne College. J'ai été influencé par un ami, que j'admire, et j'ai commencé à photographier des articles de mode plutôt ringards sur des produits jetables. D'un point de vue visuel, j'ai commencé à regarder le cinéma italien moderniste des années 60, ce qui m'a donné envie de créer des œuvres iconographiques.
Quels sont les photographes qui vous ont influencé et inspiré ?
Luigi Ghirri est le numéro un pour moi. Je suis tombé sur son livre Kodachrome et je me suis immédiatement attaché à la sérénité qu'il transmet dans son travail. On sent qu'il était chez lui dans la nature, mais ce sont ses compositions architecturales et ses paysages urbains qui font la particularité de son travail. William Eggleston est également une grande source d'inspiration. Son utilisation de la couleur et de la composition est de haut niveau.
Quand avez-vous commencé à faire de la photo avec un Leica ?
Je travaille avec du Leica depuis quelques années. Pour moi, la marque représente une élégance dans le design qui me permet de photographier comme je le souhaite. Une grande partie de mon travail est inspirée par des approches minimalistes et modernistes et je pense que Leica représente ces valeurs.
D'où vient votre intérêt pour les formes et les structures architecturales ?
En grandissant, j'ai oscillé entre l'ennuyeuse banlieue de Bromley, au Royaume-Uni, et différentes zones du sud de Londres, cette dernière m'ayant profondément marqué sur le plan visuel. Ces lotissements brutalistes me semblaient énormes à l'époque et m'y promener me donnait l'impression de marcher dans un décor de cinéma. En même temps, les films que je regardais, comme "Lock Stock...", utilisaient toujours l'architecture de manière très forte pour représenter la ville, et cela m'a marqué.
Comment décririez-vous le concept de cette série particulière ?
À l'origine, le projet était de boire des bouteilles de Pastis au soleil et de documenter les Ultras de Marseille, mais les choses se sont passées différemment. Au lieu de cela, une citation de Monet datant de son séjour à Antibes résume la série. "Ce que je rapporterai d'ici sera la douceur elle-même, le blanc, le rose et le bleu, tous enveloppés dans cet air magique". Pour moi, cette citation a pris tout son sens dès que j'ai atterri à Marseille et m'a incité à transmettre l'histoire architecturale de la ville par le biais de la couleur et de la forme.
Quel rôle joue la couleur dans vos compositions ?
La couleur est indispensable à mon travail. Dans mon enfance, tout était très gris sur le plan architectural, alors que le cinéma et les livres offraient un sentiment d'évasion grâce à leur palette de couleurs. La couleur crée des émotions très brutes, donc si j'en vois une qui me touche, je chercherai à encadrer l'image autour d'elle et à lui donner une plate-forme. Il peut s'agir d'un matelas abandonné ou de l'Unité d'Habitation de Le Corbusier. À Marseille, vous avez la chance d'avoir des moments de couleur que le soleil vous offre comme une horloge.
Vous avez réalisé cette série avec le Leica M6. Comment la dimension argentique de votre équipement influence-t-elle votre processus et le style photographique qui en résulte ?
Elle détend complètement le processus. La photographie argentique apprécie ses imperfections et s'éloigne donc du concept d'image parfaite. Il n'y a pas de carillon sur l'écran arrière après la prise de vue ou de retour à l'hôtel pour vérifier les angles, vous pouvez donc vous détendre et vous contenter de photographier. Je pense que nous avons besoin d'un temps d'arrêt pour regarder nos images et l'argentique nous offre cela. Il y a aussi le fait de savoir que le film peut revenir complètement raté, ce qui rend les images du montage final encore plus spéciales.
Vous avez également photographié avec un Summilux-M f/1.4 de 50 mm et un Summicron-M f/2 de 28 mm. Comment ces longueurs focales particulières influencent-elles votre style ? Et quels sont les défis qu'elles posent ?
J'ai commencé avec le 28 mm, qui était parfait pour capturer des sujets dans les rues étroites et ombragées de Marseille, mais qui en capturait parfois trop. Surtout lorsque je voulais une image nette. J'ai donc pris le 50 mm, qui s'est avéré être l'objectif idéal pour ce travail. Il me permettait de contrôler ce qui se trouvait dans le cadre et de créer les compositions graphiques que je souhaitais, tout en isolant des éléments de couleur ou des formes particulières que je voulais mettre en valeur dans l'image. Les différents roses qui sortaient de cet objectif étaient incroyables.
Cette série travaille principalement avec des perspectives abstraites, ne révélant jamais les bâtiments et les structures dans leur ensemble. Pourquoi en est-il ainsi ?
Je trouve restrictif de documenter le bâtiment dans son ensemble. Si vous cherchez cette image, vous la trouverez sur Google et elle aura déjà été prise dix fois. J'aime aussi laisser une part de mystère aux photos. Pourquoi un détail d'un parking de supermarché ne serait-il pas aussi beau qu'un détail d'un chef-d'œuvre de design tel que celui créé par Le Corbusier ? Cela offre une vision plus démocratique de ce que nous considérons comme beau. Je pense que ce que les gens retiennent d'une structure, ce sont les détails qui les touchent. Il peut s'agir de la forme d'une poignée de porte ou d'une nuance de vert menthe au soleil, et c'est précisément ce que je pense qu'il est important de documenter.
Outre les formes physiques et les couleurs dans vos compositions, vous travaillez également avec des ombres fortes. Que pensez-vous qu'elles apportent à votre photographie ?
Les ombres donnent l'impression de ne pas savoir ce qu'il y a, ce qui, associé à des compositions abstraites, laisse planer le mystère du point de vue de l'observateur. Tanazaki a dit : "Sans les ombres, il n'y aurait pas de beauté" et je trouve qu'il est difficile de contester cette affirmation.
Vous avez réalisé des séries sur les formes architecturales et les couleurs dans des villes de toute l'Europe. Comment Marseille se compare-t-elle à ces autres villes ? Qu'est-ce qui la rend unique ?
Comme Naples, elle a toujours été considérée comme une ville portuaire sale. Au départ, j'ai trouvé cela très attirant, mais à mon arrivée et après avoir exploré la ville, j'ai réalisé que Marseille avait sa propre marque de modernisme méditerranéen. C'est quelque chose que je n'avais jamais vu auparavant. Son identité architecturale est imprégnée du modernisme d'après-guerre. Lorsque le soleil traverse poétiquement le port du crépuscule à l'aube, il crée une lumière incroyable sur la ville. On a l'impression d'être à l'épicentre du monde.
Sur quels autres projets travaillez-vous en ce moment ? Que pouvons-nous attendre de vous dans un avenir proche ?
Je travaille sur une série d'images documentant l'érosion des murs peints de Venise. Au fil de la vie, les propriétaires peignent leurs murs pour couvrir les marques ou les graffitis, ce qui crée ensuite des couches de couleurs incroyables gorgées de soleil et s'érodant naturellement. La série s'intitule Pentimento et sera exposée au magasin Paul Smith de Mayfair, à Londres, en février prochain.