The Shortlist

Leica Latin America Luxury Travel Photography Awards 2025 reúnen a diez finalistas cuya obra se destaca por su mirada sensible y su capacidad para documentar la conexión humana en Latinoamérica desde perspectivas diversas, auténticas y profundamente contemporáneas.

Sus series exploran encuentros, territorios y formas de relación que revelan la riqueza cultural de la región, ofreciendo un retrato honesto y significativo del vínculo entre personas, comunidades y espacios.

El jurado se encuentra actualmente en la segunda ronda de evaluación para definir los tres primeros lugares de esta primera edición de los premios, los cuales serán anunciados en Enero de 2026. 

Ali Alcántara es creador de contenido audiovisual y fotógrafo mexicano. Su trayectoria comenzó tras un viaje a la Patagonia, donde descubrió su pasión por la imagen y la naturaleza.

Desde entonces ha combinado trabajos sociales con exploraciones independientes, creando contenido que busca inspirar la conservación del entorno natural. Sus redes documentan viajes y paisajes en los que la naturaleza es siempre la protagonista.

Este proyecto nace por un amor infinito hacia la naturaleza. Con el deseo de compartir su inmensidad y belleza, pero también de reconocer la huella que dejamos sobre ella. 

A través de mis fotografías busco construir un puente entre la admiración y la conciencia, entre el asombro y la responsabilidad.

Cada imagen es una invitación a detenerse y observar, a reconectarnos con aquello que nos rodea y que, muchas veces, damos por sentado. Al mismo tiempo, este trabajo busca generar reflexión: sobre la manera en que habitamos el mundo, sobre las decisiones que tomamos y las consecuencias que éstas tienen en los ecosistemas que nos sostienen. Desde las montañas que resisten, hasta la gente que aún vive en armonía con la tierra, cada fotografía es un testimonio de lo que la naturaleza nos enseña y de cuánto nos queda aún por aprender. 

Más que un proyecto visual, esta serie es una conversación entre el ser humano y su entorno. Un recordatorio de que somos parte de un todo mucho más grande, y que nuestra permanencia en él depende de la forma en que elijamos relacionarnos con la vida que nos rodea. Si a través de mi lente logro que la gente vuelva a mirar la tierra con respeto, curiosidad y admiración entonces la fotografía habrá cumplido su propósito. Porque cuidar empieza por admirar; nadie protege lo que no ama, y nadie ama lo que no conoce. 

Este es mi proyecto fotográfico más grande, iniciado en 2015, actualmente sigo buscando lugares e historias que fotografiar en Mexico y en el mundo para generar un impacto positivo. 

Anthony Niño de Guzmán es un fotógrafo peruano formado en el Instituto Peruano de Arte y Diseño (IPAD). Inició su carrera en Perú21 en 2015 y, en 2017, se unió al equipo de fotografía de El Comercio, donde ha documentado acontecimientos clave de la historia reciente del país.

Proveniente de una familia andina y marcado por la migración hacia Lima, su trabajo se enfoca en temas sociales, políticos y en la preservación de la diversidad cultural andina, influido por las historias y mitologías transmitidas en su entorno familiar.

Durante la festividad del Señor de Qoylluriti, miles de peregrinos de distintas naciones andinas, entre ellas la Nación Quispicanchis, emprenden la travesía más grande de los Andes. A más de 5,000 metros de altura, ascender al nevado Sinakara es una prueba de fe y resistencia. Entre rezos, hojas de coca y el frío extremo, los “pablitos” Guardianes de la montaña cargan cruces y oraciones hasta la cima, en un ritual que une lo espiritual con lo terrenal. Este año, la nieve cubrió el Sinakara como no ocurría en años, un recordatorio de la fuerza de la naturaleza y de cómo, a pesar del calentamiento global, la tradición resiste.

Jaír F. Coll (1997) es un fotógrafo documental colombiano cuyo trabajo explora la espiritualidad, el territorio y la memoria cultural. Nacido en Cali, se aproximó a la narrativa visual desde la literatura y la pintura.

Tras graduarse de periodismo, trabajó como reportero en El País (Cali) y luego como colaborador para medios internacionales como The New York Times, El País (España), Reuters, Bloomberg, Open Society Foundations y Audubon.

Ha sido ganador del Chris Hondros Fund en el Eddie Adams Workshop 2025, del Everyday Grant 2023 y POY Latam. Su trabajo se ha exhibido en Photoville y en el Photovogue Festival. Sus proyectos de largo plazo examinan cómo la fe, los rituales y las comunidades construyen resiliencia en territorios atravesados por tensiones sociales e históricas.

Durante la trata de esclavos en Colombia (siglo XVI–1851), a los ancestros de Quinamayó se les negó la posibilidad de preservar sus expresiones culturales africanas. Las campañas católicas y españolas los obligaron a abandonar sus creencias, llevándolos a transformar las tradiciones occidentales en actos de dignidad y resistencia. Una de ellas fue la Navidad, centrada en el Niño Jesús Negro.

A diferencia de la celebración tradicional de diciembre, la Navidad de Quinamayó tiene lugar a mediados de febrero, 40 días después del nacimiento de Jesús, simbolizando el periodo de descanso de la Virgen María tras el parto. Esta tradición sagrada se ha conservado durante casi 200 años en esta comunidad afrocolombiana del sur del Valle del Cauca.

Las festividades duran cuatro días. El segundo día es el momento cumbre, con una gran procesión en honor al Niño Jesús Negro, donde los niños se visten como personajes bíblicos. Los días restantes incluyen encuentros culturales, música, un reinado para elegir a la Reina Afro de la Simpatía y culminan con el baile comunitario de la juga.

La juga, un ritmo afrocolombiano, se baila arrastrando los pies al unísono, evocando las cadenas de los ancestros esclavizados, pero transformando la opresión en libertad, alegría y unidad.

Estas celebraciones encarnan un profundo sincretismo cultural, fusionando la herencia africana con el simbolismo católico, y se mantienen como un testimonio de la resiliencia e identidad de Quinamayó.

Michael Dunn Cáceres (La Paz, 1985) es un fotógrafo boliviano reconocido por su mirada íntima sobre la vida y la cultura en Bolivia. Su serie High Altitude Golf obtuvo el segundo lugar en los Sony World Photography Awards 2025.

Ha expuesto individualmente y ha sido incluido en fotolibros como Fotografía Boliviana y Water Worlds. Fue miembro del colectivo SinMotivo y participó en varios fotolibros colectivos. Ha trabajado como director de arte, diseñador y fotógrafo para revistas y empresas en Bolivia y el extranjero.

Martha y Teresa, originarias de Oruro, Bolivia, han trabajado durante más de una década en uno de los campos de golf más altos del mundo: el La Paz Golf Club, ubicado a 3,600 metros sobre el nivel del mar. Todos los lunes dejan de lado sus funciones habituales y practican el deporte que les apasiona, luciendo con orgullo la vestimenta tradicional de la ‘chola’ boliviana.

Antonio Flores García estudió en el Instituto de Fotografía, Arte y Diseño (FIDA), donde se graduó en 2017. Realizó varios talleres en el Museo Fotográfico Archivo, incluyendo Territorios Imposibles y Caminos por Tomar.

Especializado en fotografía documental y fuegos artificiales, ha sido ganador de LensCulture B&W Photo Contest, FINI XII, Refocus Awards y múltiples distinciones en los 35 Awards. Ha expuesto en Nikon “100 Años Contando Historias”, FFIEL, Trieste Photo Days, Museo Soumaya y otros espacios nacionales e internacionales.

Los herederos del fuego Tultepec es un pueblo que se encuentra en el Estado de  México, mejor conocido como el hogar de los señores del fuego y la capital de  la pirotecnia. En este pueblo las personas nacen con el fuego en la sangre y  la pólvora en el corazón, pues desde muy pequeños, principalmente a los  hombres, se les hace perder el miedo al fuego y hacerlo parte de su vida y su  conexión con él. 

Por medio del gran culto que se le rinde a través del fuego,  la pirotecnia y del sincretismo de la religión católica con el santo San Juan  de Dios y el ancestral dios del fuego Huehueteotl en la antigua cultura  mexicana. Las personas crean bestias monumentales de carrizo, papel y fuegos  artificiales en forma de toros que ofrecen al fuego junto con su sangre y sus  cuerpos para tener trabajo, dinero, salud y prosperidad durante todo el año.  

Al caer la tarde comienza la gran fiesta en la que el pueblo se transforma en  el mismísimo infierno mientras las llamas, chispas y explosiones iluminan  durante toda la noche y la madrugada el centro del pueblo y así ofrecen uno a  uno los toros de fuego en el que hombres, niños, e incluso perros entran en  la danza del fuego para danzar, saltar y quemarse para ofrecerse al elemento  sagrado sobre el que gira todo este ritual. 

Estas son las tradiciones de un  pueblo que ha sido bendecido por el arte de iluminar el cielo con pólvora ,  estas son las historias de esos guerreros del fuego y maestros de la  pirotecnia que ofrecen su cuerpo, su arte y su sangre, para preservar una tradición  ancestral de forma contemporánea, el lugar donde el arte es una explosión.

Brian Mena Laureano es fotógrafo de paisaje y documental basado en Acapulco. Ha ganado premios como el Sony World Photography Award, Lo Hecho en México y distinciones en FFIEL, 35 Awards, Nature y CONABIO.

Su obra ha sido publicada en Forbes y National Geographic, y exhibida en Londres, Europa, Colombia y México en instituciones como Los Pinos, el Senado de la República, Rejas de Chapultepec, Soumaya y el Museo de Mérida.

Ha sido juez internacional en los 35 Awards y considera la fotografía como un camino de conexión personal y colectiva.

En Chilapa, Guerrero, cada 15 de agosto las calles despiertan con el rugido de una tradición ancestral: La Tigrada.

Entre música, polvo y máscaras de madera, la comunidad entera se transforma en una gran manada que danza para honrar a la Virgen de la Asunción y pedir lluvias que fecunden la tierra.

De raíces prehispánicas, esta celebración conserva la esencia de los antiguos rituales dedicados a los dioses de la lluvia y la fertilidad. Los participantes, vestidos con pieles atigradas y colmillos tallados, recorren las calles en manadas, evocando los rugidos de los jaguares que alguna vez custodiaron los cerros de Guerrero.

En medio del bullicio y la alegría, los niños juegan un papel fundamental: son los herederos del rugido, los que aprenden entre risas y polvo el valor de su identidad.

A través de sus ojos, esta serie busca capturar la infancia como guardiana de la memoria, donde tradición y juego se entrelazan para mantener viva la esencia de un pueblo que sigue celebrando su fuerza, su fe y su cultura.

Musuk Nolte (1988) es un fotógrafo peruano cuyo trabajo integra documental y arte para explorar problemáticas sociales. Ha recibido reconocimientos de World Press Photo, Magnum Foundation, National Geographic Society, Bertha Foundation, Light Work y Vital Impacts.

Su obra se ha exhibido en MALI, CCCB, Photoquai, Daegu Photo Biennale, PhotoEspaña, FoLa, Jimei x Arles y Paris Photo.

Es fundador de KWY Ediciones, plataforma dedicada a la fotografía latinoamericana.

Las comunidades de la cordillera andina del Cusco son herederas y guardianas del conocimiento ancestral quechua. Habitan los valles de las montañas, en un territorio con una historia rica y compleja de sincretismo y mestizaje, pero que, por encima de todo, mantiene vivas sus prácticas ligadas al territorio y a sus creencias culturales.
 

Cusco, antiguo epicentro del Imperio Inca, se ha convertido en un punto de atracción para quienes viajan en busca de la célebre ciudadela inca, aunque hay mucho más allá de sus ruinas. En este territorio persisten comunidades que continúan honrando sus creencias y su relación con la tierra, donde perdura un profundo espíritu de orgullo e identidad que ha forjado su carácter.

Estas imágenes son el resultado de varios años de recorridos y visitas a estas comunidades, en momentos de celebración y ritual, pero también en escenas cotidianas donde el paisaje parece abrazar la vitalidad de sus habitantes. Ellos acompañan el paso del tiempo con danzas, música y comidas que celebran fechas significativas: el inicio del ciclo agrícola, la fiesta del Sol o el Queñual Raymi, ceremonia en la que las comunidades de la cuenca del Vilcanota siembran arbustos de queñual en un acto consciente de sostenimiento y restitución frente a los efectos del cambio climático.

Así, estas fotografías invitan a viajar en el tiempo —un tiempo suspendido— y a entablar un diálogo con la tradición de la fotografía andina desde una mirada íntima y personal. Una mirada que busca trasladar al espectador y hacerlo partícipe de estos momentos únicos que, quizá con los años, se transformen en memoria: la memoria de un modo singular de vincularse con el entorno natural.

Héctor Adolfo Quintanar Pérez es arqueólogo y maestro en Antropología por la Universidad Veracruzana, con formación en fotoperiodismo en la UNAM. Su trabajo se centra en derechos humanos, cultura, conflicto y violencia.

Ha publicado en The Guardian, Washington Post, Al Jazeera, The Times, New York Times, Chicago Tribune, Bloomberg, entre otros. Ha sido premiado internacionalmente y ha trabajado para AFP, Zuma Press y actualmente para Getty Images.

Ha documentado desastres naturales, conflictos y crisis humanitarias en América, Europa, Asia y África.

Veracruz es uno de los estados donde comenzó a formarse la nación mexicana, combinando  culturas indígenas, africanas, europeas y mestizas desde el siglo XVI,  creando así un vasto territorio donde se mezclaron elementos y tradiciones de  culto cristiano, indígena y africano, que hasta el día de hoy generan un gran  eco en la población, orgullosa de sus raíces. 

La tradición es la historia no  escrita del pueblo. Ahí es donde se expresan sentimientos, emociones,  identidades y procesos históricos, perceptibles a través de danzas,  procesiones religiosas, canciones, música, bailes y mucho más. En ese  sentido, el estado de Veracruz es muy rico en diversas tradiciones que, sin  palabras, forman la base de un lenguaje en el que se expresan la identidad y  la resistencia. Los africanos convirtieron la esclavitud y el trabajo forzado  en carnaval. Los indígenas adoptaron la religión cristiana sin olvidar su  pasado mesoamericano y, afortunadamente, y a pesar de las circunstancias  adversas, los herederos de estas tradiciones continúan moldeando su historia  cultural en tradiciones que, poco a poco, se desvanecen con el tiempo, pero  nunca con orgullo. 

Esta obra es un recorrido por los carnavales afromestizos  que aún perduran en Veracruz y que representan una enorme riqueza cultural  que solo los veracruzanos se han atrevido a proteger y preservar ante un  mundo globalizado que no deja de valorar la enorme importancia del patrimonio  histórico de las comunidades. 

En tiempos de enorme violencia, migración e incertidumbre en muchas comunidades mexicanas, las tradiciones han demostrado ser un gran refugio para la paz y el recuerdo de los orígenes de los pueblos.  Esta obra busca mostrar un viaje al corazón de las tradiciones, pues son el  alma de la historia de quienes las viven.

Rafael Rivero es un fotógrafo mexicano con una trayectoria marcada por el diseño, el deporte y la cultura. Ha trabajado en campañas para Nike, Apple, Gatorade y fundó la agencia Optimist MX.

Con formación en Arquitectura, aborda la imagen desde la relación entre espacio, diseño y experiencia humana. Su trabajo busca capturar la “Conexión Humana” que define al continente latinoamericano a través de una mirada emotiva, estética y profundamente narrativa.

Si conoces el Desierto de Atacama, probablemente no fue así.

Este proyecto documental captura la esencia de The Speed Project: Atacama, una carrera a pie de más de 500 km que cruza el lugar más árido del mundo. En este entorno extremo —marcado por la altura, las temperaturas implacables y la inmensidad solitaria — la conexión humana se revela como el único motor de supervivencia y el verdadero trofeo.

Las imágenes exploran la resistencia física y la brutalidad del desierto, pero se centran principalmente en el vínculo inquebrantable forjado entre el esfuerzo humano y la fuerza indomable de la naturaleza. 

El proyecto es una celebración a la sobrevivencia y al lujo de la resistencia colectiva, atestiguando que la recompensa más valiosa no es cruzar la meta, sino el lazo indisoluble creado en el corazón del Atacama.

Sebastián Villegas V. es fotógrafo y realizador audiovisual colombiano que trabaja sobre la relación entre medio ambiente, cultura y justicia social. Ha realizado proyectos para RedBull Media House, Jose Cuervo, NBC News, UNICEF, Unilever, Specialized, Selina y Revista Semana, entre otros.

Su trabajo ha sido publicado en The New York Times y es autor del fotolibro El Resto es Selva, sobre el Chocó. Ha sido finalista en RedBull Illume y participante en la FNPI Non-Fiction Grant con Stephen Ferry. Actualmente desarrolla proyectos sobre justicia ambiental en el Amazonas y el Chocó junto a comunidades indígenas.

En la Amazonía colombiana la cosecha del chontaduro se transforma no solo en alimento, se eleva a celebración, memoria y encuentro. Cuando llega el momento de recoger el fruto, la maloca se enciende con cantos, danzas y máscaras que abren el camino hacia lo sagrado.

El Tori aparece entonces como espíritu y animal de la selva. No es un humano disfrazado, es un tránsito. Quien lleva la máscara deja de ser persona para convertirse en puente entre lo animal y lo invisible. El Tori recuerda que todo lo que nace de la tierra como el chontaduro pertenece a un ciclo de abundancia compartida.

En medio del ritual, se bebe chicha, se baila, se canta y se sana al mundo. Los sonidos de los fuertes pasos y las gruesas voces mantienen unidas a todas las formas de vida que han permanecido y habitado las entrañas de la selva.